'El Creador' y su guerra entre humanos e inteligencia artificial

El director Gareth Edwards también habla sobre las influencias cinematográficas y la inspiración del diseño del robot.

Del cineastaGareth Edwards(Rogue One, Godzilla, Monsters), el thriller de acción y ciencia ficciónEl creador(que se estrenará en cines y en IMAX el 29 de septiembre) está ambientado en un futuro en el que la raza humana y la inteligencia artificial están en guerra, y un hombre, un ex agente de las fuerzas especiales llamado Joshua (Juan David Washington ), atrapado en el medio sin respuestas claras. De duelo por la desaparición de su esposa (Gemma Chan) y en una misión para cazar y matar al Creador que diseñó la IA avanzada, Joshua descubre que el joven Alphie (Madeleine Yuma Voyles) tiene el potencial de alterar a la humanidad y al mundo.

Después de una reciente proyección IMAX de tres escenas de la película, el director y coguionista Edwards participó en una sesión de preguntas y respuestas, en la que analizó por qué encuentra tan atractivo el género de ciencia ficción, cómo The Creator evolucionó hasta lo que es ahora, el viaje para llevar una idea original épica a producción, filmar en 80 ubicaciones con relativamente poca pantalla verde, cuán relevante se ha vuelto esta historia sobre IA, querer utilizar un enfoque diferente para filmar la película, la importancia del casting, filmar las escenas de combate, influencias cinematográficas, inspiración para el diseño de robots, conseguirHans Zimmera bordo para componer la música y cómo la ciencia ficción brinda una oportunidad para el comentario social.

Pregunta: Esta es su cuarta película, que también es su cuarta película de ciencia ficción. ¿Qué tiene este género al que sigues regresando?

GARETH EDWARDS: ¿Hay otros géneros? He oído que hay películas sin robots. No lo veo como, hago ciencia ficción. Creo que la mejor ciencia ficción es una mezcla de géneros. En mi primera película (Monsters), veo una historia de amor que se encuentra con la ciencia ficción. Mi segunda película, que fue Godzilla, es una película de desastres y una película de ciencia ficción. Star Wars (Rogue One) es una película de guerra que se encuentra con la ciencia ficción.

¿Cómo surgió El Creador? ¿Cuándo y dónde te llegó la inspiración para esto?

EDWARDS: Eran las 7:32 pm de un martes. No. Sucedieron numerosas cosas, la más obvia fue que acabábamos de terminar Rogue One. La familia de mi novia vive en Iowa y recorrimos Estados Unidos para visitarlos. Mientras conducíamos por el Medio Oeste y había todas esas tierras de cultivo con pasto alto, yo simplemente miraba por la ventana. Tenía los auriculares puestos y no estaba tratando de pensar en una idea para una película, pero me estaba inspirando un poco. Acabo de ver esta fábrica en medio de esta hierba alta y recuerdo que tenía un logotipo japonés y pensé: "Oh, me pregunto qué estarán haciendo allí". Debido a mis tendencias, pensé: "Oh, probablemente sean robots, ¿verdad?" Y luego pensé: “Está bien, imagina que eres un robot construido en una fábrica y luego, de repente, por primera vez, sales al campo, miras a tu alrededor y ves el cielo. ¿Como seria eso?" Me pareció un momento realmente bueno en una película, pero no sabía qué era esa película. Lo tiré, como cualquier cosa. Y luego me tocó el hombro y dijo: "Oh, podría ser esto", y estas ideas empezaron a surgir. Mientras continuábamos con el viaje, cuando llegamos a la casa, tenía toda la película planeada en mi cabeza, algo que nunca sucedió. Pensé: "Está bien, tal vez esto sea mi próximo paso".

Este es un concepto original con el que estás trabajando aquí. ¿Cómo conseguiste que New Regency se uniera como productor?

EDWARDS: Necesito agradecerle a New Regency porque, como probablemente habrás notado en el cine recientemente, se están haciendo muy pocas películas originales y eso se debe a que todos se han vuelto muy tímidos, y las franquicias y las IP siguen regurgitándose un poco. . Felicitaciones a New Regency por básicamente tener las pelotas para hacer un gran swing y hacer algo como esto. Algunos de mis amigos más cercanos son artistas conceptuales, así que les pregunté a todos mis amigos: "Les pagaré, pero ¿podrían hacer algunas obras de arte para esta idea que tengo?" y comencé a construir esta biblioteca de imágenes hasta que Tenía alrededor de 50 imágenes. No se lo dije a mi agente. Lo mantuve en secreto porque no quería presionarlo. Entré a New Regency y expuse todas las obras de arte, y les expuse la idea, paso a paso, lo cual odio hacer. Odio ser vendedor de autos. Sólo quiero darle al play a la película. Esa es mi actividad favorita. Tratar de venderlo no es lo que me divierte. Entonces, miras todas esas imágenes y es increíblemente ambiciosa, y la reacción natural es: “Esta es una película de 300 millones de dólares. No hay manera de que realmente podamos hacer esto. Nos encantaría hacerlo, pero realmente no podemos hacerlo”. Y yo dije: “No, lo haremos de manera muy diferente. La filmaremos con un equipo muy pequeño y esencialmente aplicaremos ingeniería inversa a toda la película. En teoría, lo que normalmente haces es tener todo este trabajo de diseño y la gente dice que no puedes encontrar estas ubicaciones, por lo que tendrás que construir decorados en un estudio frente a una pantalla verde, y te costará una fortuna. Pensamos: “No, lo que queremos hacer es filmar la película en lugares reales, en partes reales del mundo, que se parezcan más a lo que son estas imágenes. Y luego, cuando la película esté completamente editada, haz que el diseñador de producción y otros artistas conceptuales pinten sobre esos fotogramas y pongan la ciencia ficción encima”. Y todos decían: "Eso suena genial". Básicamente, teníamos que intentar demostrárselo.

¿En cuántas locaciones filmaste?

EDWARDS: En algunas de las otras películas que he hecho, tienes suerte de salir del estudio e ir a una ubicación adecuada varias veces. En esto, fuimos a 80 ubicaciones y realmente no usamos ninguna pantalla verde. De vez en cuando había un poquito, aquí y allá, pero muy poco. Si se mantiene el equipo lo suficientemente pequeño, la teoría era que el costo de construir un set, que aparentemente es de $200,000, se puede llevar a todos a cualquier parte del mundo por esa cantidad de dinero. Y entonces pensamos: "Mantengamos el equipo pequeño y vayamos a estos lugares increíbles". Y así fuimos a Nepal, el Himalaya, volcanes activos en Indonesia, templos en Camboya, Tailandia, Vietnam y Tokio. Y luego hicimos un poco en Pinewood, usando el volumen para algunas pantallas no verdes, pantallas LED y cuestiones ambientales.

Tu antagonista en esto es la inteligencia artificial. ¿Sabías lo relevante que sería eso?

EDWARDS: El truco con la IA es que hay un punto óptimo antes del robo-apocalipsis y no después, que es en noviembre o tal vez en diciembre. Tuvimos suerte [con nuestra fecha de lanzamiento]. Intenté evitar poner una fecha. No quería escribir una fecha para la película porque incluso [Stanley] Kubrick se equivoca. En algún momento, tienes que elegir una fecha, así que hice algunos cálculos y elegí 2070. Ahora, me siento como un idiota porque debería haber elegido 2023, con todo lo que se ha desarrollado en los últimos meses o años. Es terriblemente extraño. Cuando presentamos la película al estudio por primera vez, esta idea de guerra con la IA, todos quieren saber la historia de fondo. Dicen: "Espera, ¿por qué estaríamos en guerra con la IA?" Pensamos: "Ha sido prohibido porque salió mal". “¿Pero por qué prohibirías la IA? Será buenisimo." Había todas estas ideas de que había que establecer eso, que tal vez la humanidad rechazaría esto y no sería tan genial al respecto. Y la forma en que se desarrolló, la configuración de nuestra película, es más o menos la de los últimos meses.

¿Cómo configurarías esta historia?

EDWARDS: Yo diría que el mundo está dividido en dos. Básicamente, sucedió algo terrible en Estados Unidos y se prohibió la IA. Está completamente prohibido en Occidente, pero en Asia no existía tal problema, por lo que continuaron desarrollándolo hasta que se volvió casi humano. Entonces, hay esta guerra en marcha para acabar con la IA. El enemigo público número uno, la persona que todos persiguen, es el Creador. Desde la perspectiva occidental, es el Osama bin Laden de nuestra historia. Pero desde la perspectiva de Asia y la IA, es como Dios.

En lo que respecta a tecnología de punta, ¿cuáles fueron algunas de las herramientas y nuevas innovaciones que pudiste aprovechar y que no existían cuando creaste Rogue One en 2016?

EDWARDS: Creo que la tecnología de las cámaras y la tecnología cinematográfica ha avanzado mucho, incluso en los últimos años. Algo que hicimos en esta película, que fue realmente importante, fue que quería que pareciera lo más realista posible, así que necesitaba que los actores y yo tuviéramos total libertad en el set. Siempre podríamos disparar en 360 grados. Lo más importante que juega en tu contra cuando intentas hacer eso en una película es que tienes luces, y en el momento en que quieres mover la cámara, de repente puedes ver las luces y pasas 20 minutos moviéndolas, por lo que lleva una eternidad filmar una escena. Entonces, la forma en que trabajamos fue con equipos de cámara realmente sensibles. Podríamos utilizar las luces LED que son muy ligeras. Tienes un operador de brazo sosteniendo un poste con el micrófono, entonces, ¿por qué no puedes tener una persona sosteniendo un poste con las luces encendidas? Entonces, teníamos al mejor chico corriendo sosteniendo la luz con la mano. Si el actor de repente se levantaba e hacía algo y iba hacia aquí, y de repente había una toma mejor, yo podía moverme y reajustar la iluminación. Lo que normalmente tardaría 10 minutos en cambiar, tomó cuatro segundos, por lo que pudimos hacer tomas de 25 minutos, en las que representamos la escena tres o cuatro veces. Había una atmósfera de naturalismo y realismo que realmente quería lograr, donde no estuviera tan prescrito y no estuvieras poniendo marcas en el suelo y diciéndoles a los actores que se quedaran allí. No era ese tipo de película.

¿Qué te llevó a elegir a John David Washington y Ken Watanabe?

EDWARDS: Estábamos seleccionando la película durante la pandemia, por lo que fue muy difícil conocer a alguien. Afortunadamente, JD vivía en Los Ángeles y escuché a través de sus agentes: “Oye, se reunirá contigo cuando quieras. Simplemente ve a comer”. Así que lo hice. Fui a conocerlo durante la pandemia y él entró con su máscara puesta, pero era una máscara de Star Wars. Tenía el logo de Star Wars. Al principio pensé: "Oh, no, está haciendo esto por Rogue One". Y luego se sentó y admitió ser un gran fanático de Star Wars. Él dijo: “He estado usando esta máscara todos los días durante aproximadamente un año. Ha sido así durante toda la pandemia. Pensé en no usarlo para esta reunión, pero luego me pareció falso. Entonces pensé que sería una buena manera de romper el hielo”. Nos llevamos bien, de inmediato. Y además, Ken es el único actor con el que he trabajado dos veces. Siempre quiero hacer algo nuevo, así que durante mucho tiempo no quise pensar en Ken para este papel. Y luego, en el momento en que apareció en el set, me sentí como un idiota. Obviamente se suponía que sería Ken, desde el principio. Me encantan las películas de Kurosawa. Esas son mis grandes inspiraciones. Y cada vez que levantas la cámara y ves a Ken en la toma, se siente como si este extraño híbrido de Kurosawa se fusionara con Star Wars, que era exactamente lo que buscábamos. Te pone la piel de gallina. Hay algo acerca de ese tipo. Sólo tiene esta cara. La razón por la que tiene tanto éxito a nivel internacional no tiene que ver realmente con lo que dice. Puede transmitir mucho sólo con su apariencia. Él es tan bueno.

¿Cómo encontraste a tu Alphie?

EDWARDS: Básicamente hicimos un casting abierto, en todo el mundo. Recibimos cientos de videos, pero no tuve que verlos todos. Me enviaron los 70 mejores y luego fui a conocer a 10 niños. La primera fue Madeleine [Yuna Voyles], que interpreta a Alphie. Ella entró e hizo esta escena, y al final todos estábamos a punto de llorar. Pensé para mis adentros: “Esto es extraño y fenomenal. Tal vez su madre simplemente fue brillante al prepararla para que se enojara mucho, justo antes de que ella entrara y estuviera ocurriendo algún pequeño truco”. Entonces, charlamos un poco e hicimos algunas de las escenas, y justo al final, fui un poco cruel. Pensé: "¿Podemos intentar una cosa más?" Quería ver si era repetible. Pensé: "¿Podemos hacer otra escena?" Entonces le expliqué una escena diferente y simplemente la improvisamos, y ella fue aún más desgarradora. No sé qué habríamos hecho si no hubiéramos encontrado al chico adecuado. Tuvimos mucha suerte. La película vive y muere [con su actuación]. Odio las películas sobre niños pequeños porque tienden a ser muy molestas. Mi mayor temor era que tuviéramos uno de esos niños realmente molestos de las películas para niños, así que fue el mayor alivio cuando ella ya estaba más allá de su edad. Es como si estuviera reencarnada o algo así.

¿Cómo trabajó Madeleine con John David y viceversa?

EDWARDS: Ella es bastante metódica. Bueno, no puedo decir si es metódica o no porque sólo nos conocimos durante el proceso de filmación y ella mantuvo a todos al alcance de la mano. Me permitieron entrar un poco, pero ella y John David eran inseparables. Se convirtió en su hermano sustituto o su figura paterna, no estoy seguro de cuál. Pensé que iba a tener que engañarla. Cuando hicimos todas las escenas, pensé: "Necesito que esto sea como un documental, para que podamos sacar esta actuación de esta chica sin que ella tenga que actuar". Y ella podría actuar sin pantalones. Ella fue increíble en eso. Era el sueño de un director. Podrías simplemente decirle lo que Alphie estaba pensando y esta increíble actuación saldría a la luz. Mirabas a los otros actores y decías: “¿Por qué no pueden ser todos así? ¿Cuál es tu problema?"

¿En qué se diferencia la filmación de las escenas de combate de Rogue One?

EDWARDS: Fuimos a ubicaciones exteriores reales. Fuimos a lugares que eran lo más parecido que pudimos encontrar a lo que la obra de arte sugería que debería ser. Cuando estábamos en Tailandia, necesitábamos encontrar una fábrica tecnológicamente avanzada, o algo así, y buscamos en todas partes. Había plantas de fabricación de automóviles que estaban nerviosas porque filmáramos. Al final encontramos un acelerador de partículas, que era probablemente el más avanzado de toda Tailandia. Pensamos: “Por favor, ¿podrías dejarnos filmar? Se veía increíble”. Fuimos de visita y nos dijeron: "De ninguna manera te permitirán filmar aquí". Le preguntaron: "¿Qué quieres hacer?" Y dijimos: “Bueno, habrá gente con armas de fuego disparando y explosiones”. Era una instalación multimillonaria con todos estos científicos de vanguardia y decían: “Eso no va a suceder. Déjalo ir." Y luego, en el último minuto, alguien dijo: "¿Qué cineasta está haciendo esto?" Dijeron: "Es este tipo que vive en Estados Unidos". Dijeron: "Bueno, ¿qué películas ha hecho?" Y dijeron: "Oh, él hizo esta película de Star Wars, llamada Rogue One". Y ellos dijeron: "¿Podemos participar?" Y dijimos: "Claro, lo que sea". Y entonces, todos los que aparecen en esa escena son físicos nucleares. Ellos fueron increíbles.

¿No utilizaste mucho talento local, delante y detrás de la cámara?

EDUARDO: Sí. Y teníamos una regla según la cual yo quería poder mirar y no ver el video del pueblo, con el monitor y las sillas. No quería ver eso en ninguna parte. Quería que, hasta cierto punto, pareciera que estábamos haciendo una película de estudiantes. La escena de la playa donde Gemma corre y hay todo ese fuego cruzado, las restricciones de la pandemia apenas comenzaban a levantarse y Tailandia se estaba abriendo a los turistas. Dijeron: "Puedes filmar en esta playa, pero no puedes cerrarla". Pensamos: "Dios mío, ¿cómo vamos a hacer esa escena?" No sé qué pasa normalmente en Tailandia, de noche en estas playas, pero no cerramos esa playa. Si miras atentamente al fondo, puedes ver bares y turistas que simplemente se divierten, pero ni una sola persona se acercó y dijo: "¿Qué estás haciendo?". Sólo éramos cuatro con una cámara, corriendo. No parecía una película tan grande y masiva. Todo acaba en la pantalla. Intentamos ser muy eficientes con ello.

¿Cuáles son tus influencias cinematográficas para esta película? ¿Qué películas recomendarías como piezas complementarias?

EDWARDS: Tengo esta superstición desde mi primera película, cuando coloqué carteles en la sala de edición que inspiraron la película que estoy haciendo. En cuanto a la sala de edición de esta, una que quizás no conozcas es Baraka, que creo que es una de las mejores películas jamás realizadas. Y luego estaba Lone Wolf and Cub, que es una serie de manga japonesa. Estaban los realmente obvios, como Apocalypse Now y Blade Runner. En términos de dinámica, tal vez hubo un poco de Rain Man. Es un viaje con alguien normal y alguien que es un poco especial, diferente o como quieras decirlo. Y allí estaba Paper Moon.

¿Cuál fue tu inspiración para los diseños de robots?

EDWARDS: La forma en que intentamos resumir rápidamente el diseño y la estética de la película fue que es un poco retro futurista. Imagínese que Apple Mac no hubiera ganado la guerra tecnológica y el Sony Walkman sí, así que todo tiene esa sensación de Walkman/Nintendo de los ochenta. Observamos todo el diseño de productos de esa época y tratamos de aplicarlo en los robots. Lo complicado del diseño de cabezas de robots fue intentar extraer información de las fuentes. Hicimos una pasada completa, en un momento, donde tomamos insectos y cabezas de insectos e intentamos hacerlo como si ese insecto hubiera sido creado por Sony. Tomamos productos y tratamos de convertirlos en cabezas de apariencia orgánica. Cogimos cosas como proyectores de cine y aspiradoras y luego simplemente trasteamos. Tomábamos cosas y las juntábamos, luego borrábamos piezas y seguíamos experimentando. Fue como la evolución, en la vida real. Era como si el ADN se fusionara con otro ADN, tratando de crear algo mejor que el anterior.

¿Quiénes son algunos de los directores y escritores a los que admiras y en los que te inspiras?

EDWARDS: Los obvios son Steven Spielberg, James Cameron y Ridley Scott. Ese es el alto punto de referencia de lo que estábamos tratando de hacer. No digo que estuvimos cerca de lograrlo, pero el objetivo de la película era intentar volver a ese estilo y tipo de película que nos encantaba cuando crecimos, y darle esa vibra y estética nuevamente. La película se rodó con lentes anamórficos de la década de 1970. Odio escribir. Es como hacer los deberes. Lo peor del mundo es tener que escribir un guión, así que la única manera que realmente puedo hacerlo es encerrarme en un lugar agradable. Encuentro un buen hotel y digo que no puedo salir hasta que haya terminado. Me quedé allí durante un mes. Fui a Tailandia, al lugar exacto de esa playa. No me di cuenta de que me estaba inspirando para la película. Acabo de elegir este bonito complejo. Mientras estaba allí, un amigo cineasta estaba en Vietnam y me dijo: "Ven y haremos un pequeño viaje". Entonces, recorrí Vietnam. No puedes recorrer ese país y no pensar en todas las imágenes de películas como Apocalypse Now y Platoon. Pero estaba escribiendo esta película de ciencia ficción, así que todo lo que tenía en mente eran robots y naves espaciales. Verías monjes budistas yendo a los templos y yo me imaginaría un monje budista robot. Pasé todo el tiempo pensando: "Dios mío, ¿qué es esta película?" Blade Runner se encuentra con Apocalypse Now es la forma más rápida de [describirlo] a la gente.

¿Cuál fue el mayor desafío al filmar esta película?

EDWARDS: No diría que hubo algo en particular. Fue más bien la duración. Comenzamos a filmar en enero de 2022 y terminamos en junio. Fueron seis meses de calor ininterrumpido de 40 grados (en Celsius, que son 104 grados Fahrenheit), muriendo todos los días. Mirando hacia atrás, es un sueño que pudiéramos hacer eso, pero hubo un punto en el que querías colapsar y solo habías hecho siete días de filmación. El primer corte de esta película duró cinco horas. Teníamos mucho material genial y genial. Todo lo que hay en esta película es lo mejor de ese material. El proceso de edición fue básicamente un juego de Jenga, donde sacábamos cosas y veíamos si nos las perdíamos o si se desmoronaban. Pensamos: "Cuando finalmente reduzcamos esto a dos horas, si hay algo que alguien extraña o quiere volver a incluir, se le permitirá hacerlo". Volvimos a meter cinco tiros. Hubo cinco pequeños momentos. Ese viejo dicho de que menos es más es correcto la mayor parte del tiempo.

¿Cuáles son los mejores valores de la humanidad que espera que esta película finalmente ilustre?

EDWARDS: Espero empatía por los demás. Ese es un valor fuerte que creo que es muy importante. Cuando comenzó esta película, obviamente no sabía que la IA iba a hacer lo que terminó haciendo el año pasado. La IA realmente estaba en el cuento de hadas de esta historia. La IA eran las personas que son diferentes a nosotros de las que queremos deshacernos o con las que naturalmente tenemos conflictos. Pero en el momento en que los conviertes en IA, comienzan a suceder todo tipo de cosas fascinantes. Mientras escribes ese guión, empiezas a pensar: “¿Son reales? ¿Qué pasaría si no te gustara lo que estaban haciendo? ¿Puedes apagarlos? ¿Qué pasa si no quieren que los apaguen? Todo esto empezó a desarrollarse, y se volvió tan fuerte como la premisa. De lo que estoy más orgulloso de la película es de que nos aferramos a eso. Hay cosas en la película con las que tuvimos mucha suerte. Si saliera en noviembre, después de que nos mataran en el robo-apocalipsis, no sería tan bueno. Pero afortunadamente, saldrá el 29 de septiembre.

¿Cómo fue tener a Hans Zimmer haciendo la música?

EDWARDS: Cuando se trataba de quién iba a hacer la música de la película, de las 25 pistas más reproducidas en el iPhone de todos, 14 de las pistas eran pistas de Hans Zimmer. Pensé: "No sé cómo, pero tenemos que conseguir a Hans Zimmer". Joe Walker, editor de Dune, organizó el montaje de la película y trabajó mucho con Hans. Él dijo: “Hablaré con Hans. Él lo hará”. Yo estaba como, "¿En serio?" Terminamos en esta extraña situación, donde tuve que hacer una llamada de Zoom con Hans, mientras estaba en medio de la nada. Íbamos a reunirnos con el jefe del ejército en Tailandia para obtener permiso para filmar una secuencia en Black Hawks. Fue esta reunión de acuerdo masiva la que llevó meses y meses organizar, y resultó que fue el mismo momento en que Hans estuvo disponible para hacer Zoom. Tuvimos que salirnos de la carretera y me metí en un hotel en medio de la nada porque tenían señal wifi. Dijeron: "Tienen que irse en 30 minutos porque todo el ejército nos está esperando". Y entonces, estaba mirando este reloj y él comenzó a hablar de sus anécdotas sobre El Caballero Oscuro y Terrence Malick. Toda mi vida quise hablar con él sobre estas películas y tuve que decirle: “Hans, tengo que irme. Lo siento mucho, pero tengo que irme ahora”. Le mostramos la pequeña prueba que hicimos para el estudio y él dijo: "Está bien, me apunto".

¿Cómo abordaste la colaboración con tu director de fotografía, Greig Fraser?

EDWARDS: Trabajé con Greig en Rogue One y, mientras hacíamos esto, él también tuvo que trabajar en Dune 2. Su protegido, Oren Soffer, acabó siendo nuestro director de fotografía durante gran parte del rodaje en Tailandia. Lo más importante cuando tienes un director de fotografía es que tengas exactamente los mismos gustos. Cuanto menos tengas que hablar sobre lo que se ve bien y mal, y sus instintos son tus instintos, más fácil te resultará. Todos estábamos totalmente en la misma página. Greig es muy rebelde, a pesar de lo que pueda parecer, porque está haciendo grandes películas. En la preparación de esta película, fui a uno de esos estudios de realidad virtual y tenían este cartel en la pared sobre cómo hacer una película. Fue simplemente cada parte del proceso. Lo estaba mirando y pensando: “¿Qué cosa más extraña tener? ¿Por qué tienen este cartel? El tipo que dirigía la cosa se me acercó y me dijo: “Te veo mirando el cartel. Eso tiene cien años”. No hemos cambiado la forma de hacer películas en cien años. Todavía lo hacemos, exactamente de la misma manera. Con todas estas nuevas herramientas y tecnología digitales, hay otras formas de hacer películas, y personas como Greig y yo realmente queremos hacer las cosas de manera diferente porque así es como se hace un tipo diferente de película. El proceso es tan importante como el guión, hasta cierto punto.

¿Le importaría hablar sobre la oportunidad y el poder de la ciencia ficción para el comentario y la reflexión social?

EDWARDS: Dios mío, probablemente por eso me gusta la ciencia ficción. Existe la posibilidad de que puedas pasar desapercibido. Mi programa de televisión favorito cuando era niño era The Twilight Zone. Rod Serling escribió muchos de esos programas y la razón por la que hizo ciencia ficción fue porque podía pasar desapercibido para los censores y decir cosas que normalmente no se pueden decir en voz alta. Si te sientas y empiezas a escribir, intentas elaborar una película y dices: "Quiero hacer una película sobre esto que tenga este comentario social", será una película basura. Te sientes atraído por una idea. Hay algo muy primario en ello que te atrae. Hay algo que hay que decir sobre este tema y luego, a mitad de escribir una película, empiezas a darte cuenta de qué es eso. Es como un niño. Te dice lo que quieren ser cuando sean mayores. Aprendes qué es y luego intentas ayudarlo. La ciencia ficción es la que mejor lo hace porque todos pasamos por nuestras vidas con ciertas creencias, pero nunca se ponen a prueba porque puedes llegar al final de tu vida y nunca te desafían realmente. Simplemente haces todo lo que se supone que debes hacer. Pero la ciencia ficción dice: "¿Qué pasaría si el mundo tuviera algo diferente?" Ahora, eso que pensabas que era cierto empieza a ser falso y empiezas a cuestionar las cosas. Me encanta ese tipo de narración. Ese es el tipo más interesante. Espero que nuestra película haga un poco de eso.

The Creator estará en cines el 29 de septiembre.

Christina Radish es la reportera senior de entretenimiento de Collider. Después de haber trabajado en Collider durante más de una década (desde 2009), su enfoque principal son las entrevistas cinematográficas y televisivas con talentos tanto delante como detrás de la cámara. Es una fanática de los parques temáticos, lo que la ha llevado a cubrir varias inauguraciones de terrenos y atracciones, y una gran fanática de la música, por lo que juzga la vida por la época anterior a Pearl Jam y la posterior. También es miembro de la Critics Choice Association y de la Television Critics Association.